Por Pablo Barrios
Linkin Park
A Thousand Suns
Warner Music
Luego del fracaso musical (no comercial) de su anterior álbum Minutes to Midnight, una oda al plagio en todo sentido, Linkin Park logra vencer a sus demonios con una propuesta bastante radical a lo que venía haciendo. A Thousand Suns es un experimento tan minimalista que puede fallar de la manera más catastrófica posible, aun así salieron victoriosos con una obra impensada por muchos y que ya se ha ganado el odio generalizado de sus seguidores más acérrimos.
Nacidos del auge Ñu Metal junto a Limp Bizkit, Korn y Slipknot pero con melodías pop, Linkin Park se ha ganado una reputación dentro de la escena del rock como invasores de un sonido que no les pertenece, y con este nuevo trabajo finalmente están buscando una nueva identidad, ahora más ligados con la electrónica, los sonidos industriales. Con las melodías vocales de Chester Bennington al frente, reclutando a Rick Rubin (Metallica, Slayer, Danzig, Red Hot Chili Peppers) en las filas de la producción, estamos frente a un escenario que por lo menos es novedoso. Sin guitarras predominando, sólo en acompañamiento de los samples y loops que se disparan en cada track, la agrupación estadounidense ha logrado el mejor trabajo de su historia a pesar de las opiniones de los fanáticos más puritanos.
Comprometiéndose con un mensaje anti-sistema en este disco, siguen una línea mirando haciendo al futuro y olvidando el pasado, pero sin ser revolucionario. La banda es una coleccionista de hits que en este caso le será difícil convencer a un público más popular por romper el molde en el sonido habitual de sus dos primeras propuestas, Hybrid Theory y Meteora.
Más armónicos y maduros, con una influencia muy marcada de los trabajos experimentales de Radiohead, de los 15 temas que están estipulados en el CD, casi la mitad son interludios donde nos dan una idea que se trata este proyecto, haciendo que el trabajo se escuche de principio a fin como una obra conceptual muy bien balanceada.
De entrada The Requiem y The Radiance son el aperitivo inicial, algo más que inusual con dos introducciones donde recién en la tercera canción Burning In The Skies, entrana tocar de una forma muy tranquila, ocurriendo de la misma forma sin sobresaltos de ningún tipo durante todo el CD, salvo en algunos tramos de la historia conceptual como en Blackout, donde Chester Bennington empieza a gritar de forma desmesurada recordando a Faint de Meteora y con una ausencia, en este caso favorable, de Mike Shinoda. El rap/rock es casi inexistente sólo por el hecho que en When They Come For Me hacen una clara alusión que de ahora en adelante no hay que esperar más de lo mismo de Linkin Park. La tranquilidad de todo el álbum no debe confundirse con falta de entrega o en buscar nuevas alternativas y nuevos sonidos como en The Catalyst, ya que A Thousand Suns es un experimento donde los géneros no existen y la música es libre.
Por suerte, el grupo esta mutando en algo que tendrían que haber hecho en su disco anterior, una mezcla que va del tecno, rock, pop, industrial bastante moderno. El redondo es uno de esos trabajos que dividen aguas y genera polémica durante años, un material donde no hay medias tintas, o lo amas o lo odias. Para los seguidores más fieles de la agrupación es un paso hacia atrás. Para Linkin Park, A Thousand Suns es simplemente comenzar de nuevo.
La ex-cantante de Nightwish, 
A esta altura su alejamiento de Nightwish a veces no le juega a su favor por la temática lirica, a veces pareciera que le canta a sus ex-compañeros y viceversa, pero no por eso le quita honestidad a sus palabras como se demuestra en In For The Kill, uno de los temas más aguerridos de esta nueva entrega. Sus temas son concisos y aunque fue trabajado minuciosamente, como consecuencia no se nota que haya forzado de más la música. 
Considerado una leyenda en la comunidad metalera, criticado por algunos y amado por millones, 
Finalmente, en una comparación obligada entre The Devil You Know de Heaven & Hell y Scream, la obra de Osbourne destaca por haber logrado desempantanarse de un estilo arraigado y bien conocido por todos, para expandir sus fronteras. No es que se trate realmente de una nueva propuesta estilística, pero tampoco se le puede exigir tal cosa a quien en su momento consumó la mayor propuesta musical de la historia, junto a Iommi, Butler y Ward. Sin duda, Scream sorprenderá a bastantes escépticos que piensan que Ozzy está acabado, y halagará a quienes han seguido de cerca su carrera. Larga vida a los rockeros de su especie.
High On Fire
A Pike lo acompañan Des Kense, –baterista presente desde el comienzo de High On Fire, y que sorprende por su interpretación en Ghost Neck– y Jeff Matz, bajista que repite luego de su aparición en Death Is This Communion. La producción corrió a cargo de Greg Fidelman, co-productor de World Painted Blood (Slayer) e ingeniero de Death Magnetic (Metallica). Quizá Snakes For The Divine no aporte ninguna novedad al amplio espectro del metal como género, pero su fuerza y energía lo llevarán constante e involuntariamente a los estéreos y reproductores de quienes lo adquieran. Un grupo que, desde que uno conoce, incita a escuchar más de ellos.
La gran apuesta de este nuevo trabajo es sin duda la canción con el mismo nombre del combo nórdico Dimmu Borgir, sonando bombástico y a toda orquesta, es tratado como un himno donde se le escuche, cayendo en unas liricas previsibles pero sin dejar de sonar potente en cada estrofa cantada por Shagrath; se trata de llevar el fuego y la bandera de la agrupación bien en alto después de algunos golpes en el camino.
Nevermore
Machine, aún le falta la visión de Sneap. Según 
Anathema
Como una fuerza natural arrolladora, hay canciones como A Simple Mistake que resume todo lo que son capaces de hacer y lo demuestran sin timidez y a gran escala. De un momento a otro, de la belleza y la sutileza, hasta llegar a la agresión para pasar a la emoción constante y luego al final dejándote con sensaciones para meditar, la mayor virtud es como está compuesta la parte orquestal y de ambientación. En todo el disco sobresalen los teclados de Les Smith, sobre todo hacia el climax de la obra como lo escuchamos en Universal; pero el mayor mérito se lo lleva Daniel Cavanagh donde sus composiciones son elementos fundamentales para que Anathema sea lo que es. Desde Thin Air, se sabe que estamos ante un trabajo especial por su dinamismo; nos encontramos con baladas como Dreaming Light o fuertes aportes como Summernight Horizon, las cuales embellecen la obra y cuyo balance se equilibra en sorpresas como Energy y Presence. 
Prácticamente, el black metal se ha convertido en un género por sí mismo, y la diversidad de bandas que existen ya no suenan a lo mismo, como sucedía hace veinte años; si bien el escucha promedio ya no sabe qué esperar, ni si en el futuro se escucharán fusiones con marimba y güiro —si no es que ya existen—, lo cierto es que hoy en día las bandas que defienden esta bandera están logrando darle mayor credibilidad y difusión a un estilo que fue tremendamente condenado en sus inicios y que hoy vive un gran momento, aunque, como todo, nunca faltarán oportunistas que se cuelguen la etiqueta porque está de moda —a ellos sí se los llevará el diablo—. Pero mientras existan bandas como Borknagar, que expresen musicalmente una filosofía inteligente y lúcida, el negro universo seguirá girando.
Debo admitir que 
El tema que da título al álbum, es un corte distinto, es instrumental, lo cual me parece una maravilla, es una composición admirable en donde se atan perfectamente los conceptos que hablan sobre la luz y sus restricciones, acá la ausencia de letra, la carencia de la “canción” en sí, es la que los dista de esas leyes e impedimentos naturales que el metal en sí plantea. Total Funeral es el track característico de Watain en donde el Black N’ Roll se hace presente, con un ritmo digno de Motörhead, y con densas atmósferas creadas por la voz de Eric Danielsson y un trepidante sentimiento de poder que acelera el pulso de las venas. 
A pesar de que la escena del thrash metal nunca desapareció, las bandas originarias de este movimiento siguieron sacando material; mi percepción es que por varios años el panorama del estilo careció de adeptos de nuevas generaciones que se decidieran por este sub género.
Del arte del CD solo se puede rescatar la portada, que tiene muy buena calidad en la ilustración y en su colorimetría, la cual estuvo a cargo del talentoso Kristian Wahlin, quien es miembro de bandas como Grotesque y Liers in Wait, responsable del rubro en discos de At The Gates, Bathory, Dismember y King Diamond entre muchas otras. Donde Suicidal Angels falla es en el resto del arte, tanto en las fotos tan clichés como en lo pobre de utilizar partes de la portada, con muy baja resolución por cierto, para adornar el fondo de la letra de las canciones. Jalón de orejas para Nuclear Blast que no puede achacar estas fallas a la economía global, pues es el arte y el diseño de un redondo uno de los incentivos para los que optan seguir comprando LPs y no robarlos de la red.