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Acrania- An Uncertain Collision

Acrania – An Uncertain Collision

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Por Manuel Rojas

Acrania
An Uncertain Collision 

Independiente

Original. Así se describe a esta banda en una palabra. Acrania toma elementos de todas partes para formar una mezcla que da como resultado ese, que es su sonido tan distintivo y tan especial. 

La agrupación abarca elementos clave del Thrash, Death y Groove metal utilizando interludios de Latin, ritmos típicos mexicanos y riffs inspirados en el Jazz, así como ritmos de Samba, Bossa Nova, Son Jarocho, etc., utilizando una alineación permanente de voz, guitarras, bajo, batería, percusiones (congas, timbales, etc.), saxofón tenor y trompeta; dando todo lo anterior como resultando un estilo al que ellos mismos han decidido bautizar como “Latin-Metal”.

El tener un concepto tan distinto al de las corrientes metaleras tradicionales, como el de esta u otras agrupaciones, te garantiza un fuerte impacto inicial en la escena, aunque como nota curiosa o como anormalidad, está el caso de Van Canto por ejemplo, quienes lo mismo, han causado tanto admiración como indignación o sorpresa entre quienes se han topado con su propuesta.

Sin embargo, esa extrema originalidad no sirve de nada si, como ocurre en la mayoría de los casos, simplemente después de un rato la gente se acostumbra a tu presencia y dejas de ser el “bicho raro”. Si realmente se quiere tener peso en el panorama metálico internacional, hacen falta grandes cantidades de esfuerzo, dedicación, suerte, trabajo y, sobre todo, calidad. No sólo es necesario hacer cosas fuera de lo normal, hace falta hacerlas extraordinariamente bien, para así llegar a ocupar un espacio en los corazones de los fans alrededor del mundo, tal y como ya lo han conseguido agrupaciones como Apocalyptica, o con un auge en popularidad creciente en los últimos años, Diablo Swing Orchestra.

Ahora bien, ¿acaso Acrania tiene potencial para entrar en las grandes ligas y llevar su sonido a lo más alto? La respuesta, a juicio personal, es que al menos en estudio, lo tiene… y de sobra.

Lo que los capitalinos nos presentan aquí en An Uncertain Collision, es un producto musical a la altura de los más grandes, tanto compositiva como técnicamente. Sin duda alguna, este álbum se ha ganado una muy buena posición en mi lista de los mejores discos del año.

De entrada, lo que se lleva las palmas esta vez son las percusiones. Basta con decir que cualquiera de las canciones funcionaría fácilmente, con tan sólo eliminar el resto de la instrumentación, como un solo perfectamente logrado.

La banda en esta ocasión, cuenta con la peculiaridad de contar con dos miembros para ello, uno encargándose de la batería, mientras que el otro hace lo propio en las percusiones adicionales. La cantidad de variantes, detalles y adornos sonoros que J.C. Chávez S. e Ignacio G. Ceja imprimen en la producción es impresionante, y todos ellos cumplen cabalmente con su objetivo de servir a la canción, nunca están de más, ni se nota intento alguno de lucimiento por parte de alguno, al contrario, esa genialidad surge de manera natural, fluye y se conecta con la música que el resto de la banda ejecuta sobre ella.

No muy lejos de esos niveles de grandeza están los instrumentos “inusuales”, por llamarlos de alguna manera, los cuales van desde trompetas, flautas hasta trombones, pero aquí el que sobresale es el saxofón: los solos del instrumento de viento son de los momentos más inspirados y agradables del LP; y es que, el Sax no solo está por estar (como suele suceder), sino que eleva las canciones a un nuevo nivel de emotividad, sorprendiendo siempre gratamente al escucha con sus intervenciones.

El bajo, por su parte, cumple: bien a secas. Quizá queda esa impresión por el desfavorecido lugar que se le dio en la mezcla, algo que, pese a ser entendible debido a la cantidad de cosas que pasan al unísono en la música de Acrania, sigo pensando que no debería de suceder, cuando este instrumento siempre ha sido tan importante en las presentaciones en vivo de prácticamente cualquier agrupación.

Las guitarras, rítmicamente hablando, aportan la potencia y agresividad necesaria al asunto. Por lo general presentan un estilo bastante cercano al de ciertas ramas del Death y del Thrash Metal, pero siempre manteniendo el “groove” característico de los defeños, ya que, a diferencia de la mayoría de las agrupaciones de los géneros previamente citados, éstas rara vez meten el acelerador a fondo, rara vez invitan al “moshpit” infaltable en las presentaciones de la mayoría de las bandas de Metal Extremo de cualquier tipo.

Otra distinción es que, de repente, cuando la canción así lo pide, la distorsión desaparece y la labor a las seis cuerdas se torna súbitamente atmosférica y sutil, para después regresar con todo a su tarea acostumbrada dentro del universo sónico presentado. En cuanto a los solos, estos si son de un estilo metalero más “convencional”, tocados de una forma thrashera casi al 100%, poniéndole garra y explosividad necesaria para recordar que esto es metal por sobre todas las cosas.  En fin, pese a no ser lo mejor que ofrece la banda, sin duda son bastante buenos.

Pasando a la voz, ésta es la que se encarga de imprimirle una última dosis de agresión e intensidad a la mezcla. Las vocales de Luis F. Oropeza no presentan prácticamente ninguna variación ni de tono ni de estilo, a lo largo del disco, sino que éstas se encargan siempre de entregar las letras en un toque lleno de rabia que no llega a ser gutural, sino que se queda a medio camino entre lo agresivo del Thrash y el peculiar estilo a las voces que manejaban bandas como Morbid Angel en sus inicios. Cabe mencionar que a todo esto, Luis logra imprimir su sello personal, algo que siempre se busca en este negocio pero que no siempre se encuentra. Como aparente desventaja de lo anterior, está el hecho de que por momentos es bastante notorio el acento del vocalista, haciéndose notar claramente su origen hispanoparlante; sin embargo, cabría preguntarse si realmente fue algo no deseado o si, al contrario, la banda se esforzó por demostrar por este medio su orgullo por sus raíces.

En general, este es un trabajo muy bien logrado, ampliamente recomendable para todo aquel que quiera escuchar algo diferente, o que simplemente quiera pasar un buen rato escuchando buena música. El álbum es de esos que lo dejan a uno con ganas de más, obligando al escucha a volver a comenzar su reproducción, o bien, indagar de manera más profunda en el catálogo de la banda. De lo negativo, ¿qué se podría decir?, tal vez se podría mejorar un poco la mezcla en producciones futuras, con el objetivo de que el sonido no sea tan directo y compacto, y así se pueda apreciar con mayor detalle la variada instrumentación que Acrania posee. También podría ayudar imprimirle mayor variedad a la voz principal, no necesariamente haciendo un cambio radical, ni como rareza en una que otra canción, pero sí expandiendo un poco ese estilo tan característico que se distingue cada vez que suena una de sus canciones.

En conclusión, un gran trabajo, probablemente de lo mejor que el metal mexicano nos ha entregado en mucho tiempo.

Disgrace - Symmetry Of Chaos

Disgrace – Symmetry Of Chaos

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Por Manuel Rojas

Disgrace
Symmetry Of Chaos

Sade Records

El mismo Ozzy Osbourne dijo alguna vez que los primeros dos discos con cualquier banda son los mejores, porque no tienes nada que perder. Dándole la razón al príncipe de las tinieblas llegan los hidrocálidos de Disgrace, propinando clases de thrash con este que es apenas su segundo larga duración. Espero que las hordas metaleras estén preparadas, porque esta banda se viene abriendo paso por la fuerza… ellos son Disgrace y son mexicanos, son rápidos, son precisos, son agresivos y no tienen nada que perder.

El sonido de este conjunto nos recuerda a las vertientes más pesadas de su respectivo subgénero, denotando similitudes con varias bandas legendarias, tales como Slayer, Exodus y, sobre todo, al legendario tridente teutón conformado por Destruction, Sodom y Kreator. También en ciertos cortes hacen recordar a la vertiente más punky, más crossover del estilo, integrando por momentos el sonido de D.R.I. y compañía a su mezcla. Además, ciertos pasajes hacen pensar en, ya sea una influencia directa del cada vez más popular “melodeath”, o bien un conjunto de influencias comunes con las agrupaciones de dicha corriente. Sin embargo, cabe aclarar algo: esto es thrash, sin lugar a dudas. Si bien el estilo de guturales agudos que presentan nuestros paisanos es más común en otro tipo de bandas, el resto de su sonido no deja dudas al respecto.

Estamos quizás ante la clase de metal que más intensamente se vive, que más impacta al oyente, aquella que te hace sacar energías de quién sabe dónde, ye sube la adrenalina y te impulsa a levantar el puño en el aire, “headbangear” frenéticamente y destruir todo a tu paso, incluyendo a aquellos ilusos que osen ponerse en tu camino. Symmetry of Chaos es un ejemplo de thrash asesino, si esto no te hace perder el control y sacudir la cabeza como un loco sin remedio al ritmo de sus poderosos riffs, es porque estás muerto, así de simple.

Este es un trabajo, como sucede por lo general en el ámbito, dominado ampliamente por las guitarras, son éstas las que dan forma a las canciones, las que les otorgan su identidad y su carácter distintivo. La labor a las 6 cuerdas es tan dinámica y tan sobresaliente, que muchas de las canciones podrían haber sido instrumentales sin ningún problema, tal como lo demuestra Circle of Madness, corte sin voces que sin embargo, no es en general muy diferente al resto. Los riffs son sin duda lo más atractivo del álbum, denotando creatividad y técnica al por mayor. Recuerdan bastante a clásicos de Slayer, a ciertos cortes de Destruction y, sobre todo, al Kreator del nuevo milenio. Son pues, los culpables de la majestuosidad del sonido de la banda.

En cuanto a los solos, debo admitir que me lleve una enorme sorpresa al escucharles por primera vez: ¡no esperaba que fueran tan buenos! ¡Son excelentes!, en su mayoría se caracterizan por ser altamente melódicos y, al mismo tiempo, embonar a la perfección con el resto de la música, además de únicamente cuando es necesario, ponerle una buena dosis velocidad al asunto. Las secciones dedicadas a éstos son relativamente largas y frecuentas, algo que realmente se agradece y se disfruta.

La voz, como ya expliqué anteriormente, viene en forma de guturales agudos bastante potentes y agresivos que encajan perfectamente en el sonido general de Disgrace y es en gran parte responsable del poder sonoro desplegado por el conjunto. Una forma de describirle sería como una combinación entre los registros de Petrozza (Kreator) y Schirmer (Destruction) con un toque un poco más death.

En general, las vocales principales se mantienen en el mismo registro durante los 47:39 minutos que dura el disco. Además de éstas, se presentan de vez en cuando las ya famosas partes en las que toda la banda grita versos a coro. El uso de este recurso me parece atinado, ya que, además de otorgarle cierta variación al sonido, contribuye a otorgarle un toque más punk, más callejero a las canciones.

En cuanto a las letras, nos encontramos con temáticas bélicas, de descontento social, de rechazo total al teísmo y sus instituciones, de venganza, y de violencia, mucha violencia. Es de aplaudirse la forma directa y franca que se tocan estos temas, nada de andarse con rodeos ni dar un discurso engañoso: aquí las cosas se dicen con toda la rabia del mundo, directamente y como son.

Como punto negativo es necesario mencionar al dominio del inglés. Es claro que no es la lengua materna de los integrantes, algo que sí les llega a afectar tanto en las letras como en las ejecuciones vocales. En las primeras, a mi parecer hay muchos versos que tienen ideas muy buenas, pero que lingüísticamente no son desarrolladas al máximo de su potencial, lo cual muy probablemente se deba al freno que implica no poseer total maestría del idioma en el que escribes.

En cuanto a la ejecución se refiere, por momentos se notan pequeños errores en la pronunciación de una que otra palabra, además de que en muchos pasajes se alcanza a notar demasiado el acento mexicano, algo que sería hasta cierto punto “normal”, pero en este caso si llega a distraer un poco al escucha. Esto en realidad es un detalle menor, que no obstante, si llega a mancharles un poco el trabajo a los hidrocálidos, y que no se soluciona más que con el tiempo y la práctica.

Pasando a la sección rítmica, destaca la batería con un sonido muy fuerte y muy potente, complementando de gran manera al gran trabajo realizado por las guitarras y siendo al mismo tiempo todo un atractivo en sí misma: velocidad, potencia e imaginación es lo que se nos regala este Symmetry of Chaos a nivel de percusiones.

Por su parte, el bajo se encuentra a la altura de las circunstancias. De entrada hay que mencionar que en esta ocasión si se la da importancia en la mezcla (algo que, desde mi punto de vista, siempre se agradece), por lo que aquí por lo general podemos escuchar claramente las líneas de bajo. Este instrumento cumple adecuadamente su labor rítmico, sirviendo de base para el magistral trabajo de las guitarras y, además, de repente sorprende con momentos de enorme protagonismo, llegando en éstos a jalar la atención del escucha hacia si, dejando las guitarras en segundo término por unos cuantos segundos.

Mención aparte para la producción, lejos quedaron los días en los que al poner un disco de metal mexicano de antemano sabías que iba a sonar como si lo hubieran grabado en una cochera mugrienta con un presupuesto compuesto por quince pesos y un six-pack; ahora álbumes como éste tienen un sonido claro y brutal a la vez, donde puedes escuchar y distinguir cada instrumento sin problema y no se le resta ni siquiera un poco de potencia al sonido de la banda, sino que al contrario, le ayuda a maximizarse y magnificarse.

Así pues, este es un gran material, recomendable para callar a todos aquellos que aseguran que en México no se hace buen metal. Disgrace, junto con todo una oleada de bandas que luchan por hacerse un espacio en la escena nacional, demuestra que calidad hay… y hasta de sobra, sin duda suficiente para competirle de igual a grupos de cualquier parte del mundo; lo que no hay es apoyo, lo que falta es promoción y lo que sobra es la apatía del público nacional y, sobre todo, ese malinchismo tan arraigado que demuestran muchos de los metaleros mexicanos.

Estoy seguro de que, de haber surgido en otro lugar, esta agrupación ya tendría, al menos, el apoyo y la popularidad con la que cuentan bandas como Evile, Warbringer o Municipal Waste. Ni hablar, así son las cosas, creo que lo mejor que podrían hacer por su carrera sería reubicarse a alguna otra región donde las cosas sean más prósperas para artistas de este estilo, porque lo necesario para triunfar en este negocio  a nivel mundial definitivamente lo tienen.

Gojira - L'Enfant Sauvage

Gojira – L’Enfant Sauvage

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Por Manuel Rojas

Gojira
L'Enfant Sauvage

Roadrunner Records

¿Groove metal?, ¿technical metal?, ¿progressive metal?, ¿death metal? Todos y ninguno: esto es Gojira, señores.

L'Enfant Sauvage representa el quinto álbum de larga duración del cuarteto originario de Bayonne, el cual, mediante mucho trabajo, una calidad más que probada, y sobre todo, una enorme dosis de originalidad, ha logrado ubicarse con el paso de los años entre los actos punteros dentro de una escena cada vez más competida y de paso han colocado a Francia dentro del mapa metalero internacional.

Para esta producción (la primera con Roadrunner Records) la banda decidió grabar en la ciudad de Nueva York, contando con la producción conjunta de Joe Duplantier (voz y guitarra) y Josh Wilbur (Lamb Of God), quienes en esta ocasión fueron, en gran medida, grandes responsables del magnífico resultado.

De entrada, debo decir que aquí no hay sorpresas: no hay cambios de estilo, no hay canciones fuera de lugar ni nada que pueda confundir al escucha; este es un álbum 100% Gojira, con todo lo que eso significa. De hecho, el punto en el que se distingue de sus antecesores es que en esta entrega el sonido característico de los franceses se encuentra más desarrollado que nunca, inclusive es difícil encontrar referencias claras a sus influencias, algo que prácticamente todas las bandas actuales denotan al transcurrir tan sólo unos cuantos segundos de escucha.

L'Enfant Sauvage son 52:25 minutos divididos en 11 canciones que nos guían a través de un viaje musical atmosférico e hipnótico que hará que el tiempo se pase volando si uno se deja llevar con el. Ésta no es tanto música para volverse loco, gritar las letras a todo pulmón y masacrar a todo el que se te ponga enfrente en el slam (aunque sin duda también puede hacerse), sino que es más una experiencia artística personal, la cual nos invita a unirnos sensorialmente con la música y perdernos entre los sonidos que emanan de las bocinas.

Las guitarras tienen un sonido muy denso y pesado y al mismo tiempo claro como el agua (punto a favor de la producción aquí), y se encargan de entregar los gigantescos riffs “marca de la casa” que sin duda alguna harán temblar más de un equipo de audio con toda su majestuosidad. Se nota como la dupla conformada por Joe Duplantier y Christian Andreu se encuentra en el punto álgido de su carrera, derrochando técnica y creatividad por los cuatro costados.

Hay slides precisamente colocados en varias de las canciones, los famosos cambios inesperados también se encuentran al por mayor en el álbum, así como el toque melódico, el cual es un poco más protagonista que en entregas anteriores. Pese a esto, se nota como, contrario a lo que ocurre generalmente en el metal, estos instrumentos no están ahí para robarse el protagonismo y liderar todo el disco, sino para servir al verdadero amo de la música: las canciones.

En cuanto al trabajo del bajista Jean-Michael Labadie, debo decir que pasa la prueba con creces, aportando en gran medida al sonido denso, pesado y atmosférico que Gojira imprime a sus creaciones. Aquí se logra replicar el papel que este músico tiene en directo, que es el de aportar grandes dosis de poder y potencia al asunto al mismo tiempo que demuestra estar siempre en sintonía con lo que ocurre con el resto de los instrumentos.  Las líneas de bajo en el álbum son todo un monstruo en si mismo, pero un monstruo disciplinado, que sabe cuando es preciso atacar con todo y cuando es momento de reservarse un poco. Labadie sirve de ejemplo para demostrar que su instrumento puede (y debe) ser más explotado y ser más protagonista en el mundo de la música dura, al cual tiene demasiado que aportarle como para simplemente quedarse perdido en la mezcla y servir de mero apoyo para que los guitarristas se luzcan.

Mención aparte para la batería ejecutada por el crack que es Mario Duplantier: es impactante, original, de técnica multifacética, compleja por momentos y siempre sorprendente en el mejor de los sentidos.  En L'Enfant Sauvage, Mario demuestra que es uno de los mejores del mundo en su instrumento, sino el mejor; consigue, en estos tiempos donde ya todo para haber sido inventado con anterioridad, sonar fresco y emocionante, al mismo tiempo que, al igual que el resto de sus compañeros, encaja perfecto en lo que la banda y su sonido representan. Su trabajo es fiel a su estilo habitual pero llevado a nuevos niveles, así pues, el doble bombo a velocidades sobrehumanas, el groove (vital para la música de los franceses), los fills altamente inspirados, la variación de tiempos dentro del contexto de una misma canción y ese instinto para saber que tocar y en que momento, todo eso lo tenemos aquí. El percusionista es, sin duda alguna, quien debe llevarse la nota más alta por el excelso trabajo que realiza en este LP. Es un fuera de serie, un virtuoso, así de simple.

En cuanto al departamento vocal se refiere, nos encontramos con lo acostumbrado, un Joe Duplantier haciendo uso de su estilo único, tanto vocal como líricamente.

Respecto a las voces, el frontman demuestra de nueva cuenta su versatilidad, siendo capaz de moverse dentro de diversos estilos sin por eso perder la continuidad ni la coherencia. Aquí no es como en el metalcore, en donde el contraste entre un estilo vocal y otro se acentúa lo más posible, sino que al contrario, los cambios se realizan de una manera por demás natural. Por otra parte, se le nota una leve mejora en su técnica respecto a anteriores producciones, con lo cual logra imprimir aún más emoción a las ya de por sí intensas composiciones.

Líricamente, Joe nos entrega esta vez un trabajo más personal, intimista y reflexivo. Pese a no ser estrictamente un álbum conceptual, en L'Enfant Sauvage reinan las letras introspectivas y existenciales respecto a si mismo y a la condición humana en general.  Se nota un intenso trabajo y mucho tiempo dedicado en este aspecto, lo que hace que dichas letras sean difíciles de entender por completo, pero muy fáciles de captar y aún más fáciles de sentir.

Así pues, L'Enfant Sauvage es un trabajo bien logrado, cuyos puntos fuertes son la conjunción de la banda, la profunda emoción que logra transmitir, el groove que éste tiene, y como ya mencioné antes, la soberbia ejecución de batería. En cuanto a puntos negativos, es difícil realmente mencionar algunos cuando se habla de un LP como éste… quizá podría haber durado unos cuantos minutos más, ya que con L'Enfant Sauvage uno queda satisfecho con la escucha, cuando pienso que uno debe de quedarse con ganas de más, como ocurre con los grandes clásicos. Esto y tal vez un pequeño toque de más variedad dentro del propio estilo de la banda habrían hecho de esta una obra casi imposible de superar para los franceses.

Así pues, en general este es un álbum de enorme calidad, en el que la banda trabaja en equipo como la precisa y milimétrica máquina de hacer metal que son. Si te gusta Gojira, definitivamente no serás decepcionado, si no te gusta, aquí definitivamente no empezará a gustarte, y si no los conoces, este, a mi parecer, es el CD más representativo de su sonido, por lo que te recomiendo empezar a explorar su discografía por aquí.

Tankard - A Girl Called Cerveza

Tankard – A Girl Called Cerveza

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Por José Eduardo Muñoz Flores (MetalheadMX)

Tankard
A Girl Called Cerveza

Nuclear Blast Records

Empezamos con el regreso de estos alemanes cerveceros de la vieja escuela del thrash y su nuevo álbum A Girl Called Cerveza. Son 30 años de trayectoria y vienen con todo ese potencial que los destaca por generar un pegajoso thrash.

El LP comienza con Running On Fumes, una intro acústica muy agradable al oído; Andreas Geremia demuestra en la voz tonos sumamente agresivos sin mencionar los excelentes riffs de Andreas Gutjahr. Esta canción posee cambios que van desde la rapidez hasta lo más complicado en cuestión de bajar velocidad, pero sin dejar de sonar violento, esto propicia un buen inicio.

Seguimos con A Girl Called Cerveza. Lo que caracteriza a Tankard son las letras donde siempre habrá alcohol de por medio y este es su ejemplo. La canción que da nombre a esta producción, es de las mejores en cuando a sincronización en cuestión de velocidad, ritmo, y sobre todo un excelente tema para ir con los amigos e irse a embriagar en un concierto; lo que continúa hará que la sangre te hierva de tan poderoso tema.

Witchhunt 2.0, con un inicio de riff sólidos que hará que enloquezcas al ritmo de tremenda batería a cargo de Olaf Zissel, quien destaca su potencial al dominar su coordinación en el doble bombo como si fuera algo tan sencillo. Un tema a sobresalir porque tiene calidad en los solos; el bajo muy bien ecualizado suena sumamente devastador. Lo que sigue es Masters Of Farces. Este tema se abastece de más velocidad sin quitarle ese punch que tiene el disco, otorgando dedicación al aspecto instrumental que a lo vocal.

A la mitad del material, The Metal Lady Boy, con la participación especial de Doro, ex-cantante de Warlock, irrumpe en posiblemente, uno de los temas más “lentos” dentro de esta entrega, donde no se pierde la costumbre del alcohol; riffs lentos pero muy pegajosos. Doro da, quizá, el toque vocal más agresivo en todo el álbum. También cabe destacar el estribillo de la guitarra seguido de un solo bastante impresionante, otro tema muy bien construído.

La siguiente canción es titulada Not One Day Dead (But One Day Mad), que empieza con un espectacular bajo y una distorsión sucia en el sentido de agresividad, acompañada por un buen riff de guitarra lleno de poder. Lo que ya logra notarse al final de este redondo es que hay mucho más solos hacia el final de cada track, pero los reyes de la cerveza, pese a que algunos temas lleguen a caer en monotonía, proponen Son Of A Fridge, con un inicio acústico y bajo sumamente discreto; demuestran como combinar lo tranquilo con una velocidad bestial en batería y guitarra aunque a veces la percusión baja el ritmo, sus cambios son sumamente progresivos y muy bien aplicados, al igual que la guitarra hace unos estribillos impresionantes, un tema excepcional.

Continuamos con la antepenúltima Fandom At Random donde dan un inicio con un riff muy lento pero agradable al oído, con el motivo de sumar intensidad en tiempos diferentes. Se nota que Tankard renueva su estilo.

Metal Magnolia calienta el cierre de A Girl Called Cerveza con un sonido más a lo que fue The Beauty And The Beer (2006). A mi parecer tiene un sonido similar a We Need More Beer.

Para culminar con broche de oro, Rapid Fire (A Tyrant’s Elegy), tantea un aroma épico al sonar de las guitarras, con una velocidad un tanto más baja pero sin quitarle poder en riffs enfocados a las voces, emprendiendo un cambio progresivo al tema.

Lo que se puede concluir de esta producción es que supera a su antecesor (Vol(l)ume 14, 2010). No han perdido su toque de thrash alemán, simplemente es un gran regreso de estos germanos.

Kreator - Phantom Antichrist

Kreator – Phantom Antichrist

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Por Samuel Segura

Kreator
Phantom Antichrist

Nuclear Blast Records

"Those who never felt their souls, all live transient lives"

En una ciudad en ruinas, los soldados fusilan a los rebeldes. Los ponen de rodillas y disparan las balas de un rifle que antes fue usado para defenderlos. El cielo se ha tornado de un rojo intenso, inyectado de sangre, de odio, de agonía. El final de los tiempos lo ha dictado el hombre, no un anticristo que no existe, que es un fantasma. La música que suena va acorde con ese escenario. El cántico de un coro fulminado por el desconcierto da paso al verdadero colapso.

Phantom Antichrist, el reciente álbum de Kreator, dibuja un panorama desolador, donde la única esperanza es el sonido que sus canciones generan: apocalíptico. Es señal de madurez que una banda pueda conjugar de esa forma, como se escucha en este disco, la violencia de punteos puramente thrashers, propios de Coma Of Souls (en específico de When The Sun Burns Red en United in Hate) y aterrizar en un oasis en medio del infierno con acústicos y ambientaciones que engalanaron el Endorama. En la oscuridad el silencio reina por momentos, hasta que un estruendo le arrebata el trono: Mille Petrozza ha redescubierto su voz, la que perdió en su anterior álbum, y se convierte en la protagonista de esta historia que, inevitablemente, tiene un fin. La destrucción total, del hombre, de sus ideales, de sus creencias, una vez que empieza, no se detiene. Desde que iniciaron la revolución violenta, se declararon enemigos de dios, y convocaron a las hordas del caos, Kreator dejó las armas listas para la matanza. Una cohesión de melodía con brutalidad progresiva, un avance que el metal ha forjado en distintas bandas y géneros, negándose a retroceder, pero que no se niega a mirar lo que se ha hecho. La perfección de Civilization Collapse, de The Few, The Proud, The Broken, de Your Heaven, My Hell, sólo es concebida en el paraíso, un lugar al que la rebelión no pretende llegar y que es muestra de la evolución de la banda y de una corriente que incita a levantarse y luchar contra la complacencia. Victory Will Come, Until Our Paths Cross Again. Los edificios despedazados, el miedo como sustituto del aire, la muerte como único refugio. La piel no puede más que estremecerse ante las notas que,  cada segundo de este disco, trastocan nuestras almas. Y los rostros, los hombres, no pueden más que sonreír, así la vida se les vaya entre las manos.

Funeral Whore - Step Into Damnation

Funeral Whore – Step Into Damnation

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Por Samuel Segura

Funeral Whore
Step Into Damnation

Chaos Records

Los gritos de una mujer desesperada, a punto de morir, se escuchan. Es el ruido que causa el terror que proviene de aquella garganta. ¿Será un monstruo? ¿Un cuchillo a punto de degollarla? Lo que sea no lo sabremos, porque entonces los rasgueos comienzan. Al estilo de aquella banda llamada Mortician. Sin embargo, la voz, el tempo, son distintos. Pero sí suena a banda deathmetalera de los noventa. Gabacha, pero con aires de Europa. Es la producción, la estructura de las canciones, las que poseen esa maldad tácita que permea cada riff, que se acrecienta con esas introducciones acompañadas por fragmentos de películas de horror. Todos los elementos están ahí, como si se tratara de una receta. Como si alguien la hubiera escrito con el vómito de algún zombie que se arrastraba por las calles de cualquier parte. ¿Quién? Tampoco lo sabremos. Chance el diablo. Lo único escrito es que Funeral Whore nacieron en 2006 y que este, su primer larga duración, salió a través del sello mexicano Chaos Records. Es decir que, al oído más fino, al más martilleado por Pestilence —compatriotas de los creadores de este Step Into Damnation—, habría omitido eso. Y habría pensado que este disco es verdaderamente un producto de aquella década. Pero que no lo sea no le resta personalidad, ejecución sabrosa de ritmos thráshicos-punketos, feeling y amor por el género. Méritos, como dicen. Ojo. El pedo es, y no hay por qué buscarle más, que este disco ya se hizo antes. Por otras bandas que también siguieron los mandamientos del death metal.

Lita Ford - Living Like A Runaway

Lita Ford – Living Like A Runaway

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Por Oscar Castro

Lita Ford
Living Like A Runaway

SPV

Lita Ford, la rubia más sexy del rock norteamericano, este año nos deleita con una nueva producción que se titula Living Like A Runaway, haciendo una referencia a sus años juveniles con la súper banda adolescente The Runaways, aunque no teniendo nada que ver en realidad, tan sólo el título y con un sonido mucho más parecido a su era de solista que con la banda que la vio nacer.

El material es un álbum solido cómo cualquiera de los que sacó en los ochenta y con canciones que pueden ser parte de su repertorio de clásicos como Kiss me Deadly e If I Close My Eyes Forever.  Entre las más destacadas está Hate, que comienza con una línea de bajo golpeador e invita a mover la cabeza al igual que The Mask, con la que el beat heavy continúa. Living like A Runaway y Asylum, power ballads pegajosas y con buen ritmo de guitarra, son pegajosas desde la primera escuchada. En Love 2 Hate U comparte créditos con una desconocida voz masculina haciéndola también de las más atractivas. 

La ferocidad de Living like A Runaway seguramente la sacó después de su divorcio con el vocalista de Nitro, Jim Gillette, demostrando que siempre ha sido poderosa dentro de su faceta en solitario.

Este disco es súper recomendable para cualquier que se digne llamarse fan de Lita y del buen rock ochentero.

Lemmy

Lemmy – 49% Motherf**ker, 51% Son Of A Bitch

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Por Rodrigo Pinto

Lemmy
49% Motherf**ker, 51% Son Of A Bitch

Red General Catalog

“Si algún día tiran una bomba nuclear que acabe con todo Lemmy y las cucarachas sobrevivirán”  -un fan-
“Lemmy its like a fucking radioactive cowboy” –¿?-
“Hard Rock Jhonny Cash” -¿?-

Para “la peor banda del mundo” como muchas revistas los consideraban, aquí está el mejor/peor documental del peor hijo de puta: Lemmy Kilmister. Un paseo de tres años que los directores Greg Olliver y Wes Orshoski hicieron junto a la banda (Lemmy, Phil Campbell y Mikkey Dee: "el mejor baterista del mundo") y el Roadcrew que pocas veces varía, y que podemos apreciar en los extras tocando obviamente (We Are) The Roadcrew.

Jack Daniels, Marlboro, botas, sombrero, Speed y muchas chicas a su alrededor. Eso es básicamente Lemmy. “The band as himself” es como lo presenta alguien en un concierto, no recuerdo quien. Pero con mucha razón por que con quien toque, la canción que sea, se escucha su bajo a todo volumen, distorsionado y rasgueado al estilo de una guitarra y eso es el sonido de Motörhead.

La narración no sigue una línea recta. El paso del tiempo no los marca el autobús que siempre va adelante y para alguna ciudad; la banda toca y sigue su ruta. De aquí se van ramificando diversas historias relacionadas directamente al grupo o Lemmy en otras épocas. Entrevistas con varios grandes del rock como Henry Rollins y Dee Snider (Twisted Sister) que no podían faltar. Un Scott Ian (Anthrax) muy gracioso con sus historias, hasta un Lars Ulrich que bueno… es Lars Ulrich o lo que signifique que es ser él.

La balanza entre diálogos y rock n' roll es muy buena y no da tiempo a desear ver una u otra por aburrimiento o saturación. Aparte de contar con más de tres horas de extras para disfrutar cuando uno quiera, tienes la opción de descargar más contenido en línea (www.lemmymovie.com/bonus) si uno lo desea.

Muy buen rockumental que nos lleva muchas veces a beber en el sofá con Lemmy o verlo beber y jugar a las máquinas, mientras se relaja para la siguiente gira en el Rainbow de Los Angeles, o esperar que prepare unas riquísimas patatas grasientas.

Y si eres un "junkie" y aún quieres un poco más, totalmente ajeno a este documental puedes ver:  Live Fast, Die Old. Seguro que está en YouTube o en algun lugar de la red.

A verlo. ¡Ellos son Motörhead y salieron a beber!

-¿Quién ganaria en una pelea entre Dios y Lemmy?  Preguntaba el personaje de Brendan Fraser a un supuesto productor de música en la película Airheads para ver si era de verdad o un policí en cubierto.

Dios…(¿?) contesta
¡Mal! dice Steve Bucemi
Lemmy… segundo intento
Te equivocas imbécil. Es una pregunta con truco, Lemmy es Dios

Beastie Boys - I Fucking Shot That!

Beastie Boys – I Fucking Shot That!

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Por Rodrigo Pinto

Beastie Boys
I Fucking Shot That!

Velocity / Thinkfilm

Adam Yauch, M.C. Nathanial HörnBlower o como quieras llamarlo, nos ha dejado; insustituible como músico y como persona. Director, productor, bajista, M.C.A. ayudó a mucha gente y cumplía al 100% con la compasión, regla fundamental para practicar y entender el Budismo.

Vegetariano y una de las voces mas importantes en el Free Tibet Movement, creó el festival Tibetan Freedom Concert y la asociación Milarepa Fund. Dueño de los Oscilloscope Studios y más tarde su hermana hizo lo correspondiente con Oscilloscope Pictures; ambos apoyando el espíritu independiente del arte.

Junto con sus compañeros Mike D y Ad Rock, publicaron el fanzine Grand Royal Magazine. Su contribución más grande conseguida con dicho fanzine fue el término que dieron a un estilo de corte de pelo: "Mullet". Para que te hagas una idea del corte, es como el de MacGyver o el de James Hetfield por allá de 1995. ¿Representantes mexicanos de ese corte? Millones, pero alguien que lo llevó con mucho orgullo fue el futbolista Miguel Herrera.

El concierto dado por los Beastie Boys en el Madison Square Garden (casa de los Knicks de Nueva York) fue dirigido, grabado e ideado por Adam. Se hizo una selección del público asistente (unas 30 personas) y se les dio una videocámara; la única regla: ¡no parar de grabar! Otras dos cámaras, una en la cabina de Mix Master Mike (DJ) y otra que sigue en el escenario a los tres raperos, completan las imágenes de este concierto documental.

El público de los Beastie Boys es muy extenso y lo podemos ver en varias opciones que tiene el DVD, desde las filas en los conciertos a los famosillos que hablan de ellos. Freaks disfrazados de personajes creados por los Beasties, niños y alguno que otro anciano. Difícil de conseguir esto en una audiencia ¿no lo crees?

Variando el estilo musical… y pasando de los samplers a los instrumentos, Beastie Boys “rockean” y se apoderan del Madison y su gente. Con apariciones especiales de Doug E. Fresh y Money Mark en los teclados de fuego, podemos disfrutar una de las mejores actuaciones de este trío o al menos una en la que se mezcla todo: imágenes, épocas, beats, notas, micros y platos; rock, rap, funk y soul 'n' roll.

La caja tiene una presentación con una estética a lo Star Wars y una introducción a lo Scarface y con mucho material adicional es perfecto para conocer un poco más a los grandísimos Beastie Boys, y para mínimo, disfutar con un par de cervezas y mover la puta cabeza al ritmo de sus letras y su buena musica. 

God Bless Ozzy Osbourne

Ozzy Osbourne – God Bless Ozzy Osbourne

3 comentarios

Por Rodrigo Pinto

Ozzy Osbourne
God Bless Ozzy Osbourne

Eagle Rock Entertainment

Cuando supe de la existencia de este documental, mi excitación fue la misma que conseguir boletos para un concierto de Ozzy. Luego de tenerlo en mis manos, fue esperar el momento perfecto para verlo; dejar que se añeje un poco en un rincón de casa.

El documental empieza justo antes de un concierto en Buenos Aires: Ozzy calentando en backstage haciendo ejercicios vocales, para luego comenzar la historia desde sus inicios: Black Sabbath.

La narración es muy rápida y se centra básicamente en la lucha del cantante por dejar el alcohol, llena de anécdotas que ya conocemos como la del Alamo o la clasica decapitación de un murciélago por una mordida durante un concierto. Pocas imágenes que no se conozcan como las de Randy Rhoads y entrevistas recientes con Geezer Butler, Bill Ward y Tony Iommi.

Intervenciones de Henry Rollins y Tommy Lee, igualmente rápidas, que no aportan nada nuevo. Cualquiera de estas historias las podemos encontrar con detalle en vómitos, close up a las tetas y con restos de cocaina  en los libros I Am Ozzy y The Dirt (biografia de Mötley Crüe). Los que sÍ aparecen mucho son sus familiares (hijos, hermanos y Sharon, su esposa y manager) y esto hace que parezca un capitulo mas de The Osbournes.

Tiene varias imágenes y situaciones que nos enseñan como es Ozzy de verdad hoy en día y que nos ayudan a comprender su pasado. Pero que no funciona como un verdadero Rockumental. Como introducción a un gran documental del “Principe de las Tinieblas” en un futuro, está bien.